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Sep 19, 2023

7 debe

Cruzando el país de costa a costa para encontrar las mejores exposiciones en galerías

Cruzando el país de costa a costa para encontrar las mejores exhibiciones en galerías de Estados Unidos cada mes, Galerie ha seleccionado nuestros espectáculos individuales favoritos para agregarlos a su lista de salidas culturales al comienzo del verano. Desde el redescubrimiento del arte poco conocido de Cathy Josefowitz en Hauser & Wirth y la celebración del centenario del maestro fotógrafo Richard Avedon en Gagosian en Nueva York hasta las pinturas trascendentales de la artista emergente Zoe McGuire en Library Street Collective en Detroit y la cerámica cruzada de la magistral Betty Woodman en la David Kordansky Gallery de Los Ángeles, estas son las exposiciones individuales imperdibles de junio.

Cathy Josefowitz, Sin título, (1974). Foto: Cortesía Estate of Cathy Josefowitz and Hauser & Wirth

Recientemente redescubierta como una apasionada artista figurativa y, más tarde, abstracta, Cathy Josefowitz creó una gran cantidad de pinturas y obras sobre papel en su carrera de 40 años, pero rara vez las exhibió. Nacido en Nueva York en 1956, de madre pintora y padre productor y director de orquesta de música clásica, Josefowitz se crió en Ginebra y estudió teatro, artes y danza en Europa. Ingresó a la École Nationale des Beaux-Arts en París a los 17 años y pronto comenzó a hacer obras inspiradas en los primeros maestros modernistas como Dufy, Kokoschka y Vlaminck, cuyas obras podía ver fácilmente en las paredes de su familia y en los museos locales. y galerías.

La exposición "Forever Young", que es su primera exposición individual con la estimada galería, ofrece una visión general de su práctica hermética. Una serie de retratos enérgicos de principios de la década de 1970, incluido uno de una fumadora que pintó hábilmente cuando tenía solo 16 años y otro de amantes entrelazados en un reino sublime y accidentado, que hizo dos años después, y una serie de bocetos divertidos realizados en el verano de 1974 llenan el primer piso de la muestra. Un grupo de pasteles figurativos sobre papel continúa su encanto con parejas de amantes en el segundo piso de la galería, donde el contenido de sus lienzos se vuelve más teatral, con artistas que interactúan con sillas o figuras fragmentadas en espacios reducidos. Hasta el 22 de julio

Kelly Akashi, Eje Cósmico, (2022-2023). Foto: Cortesía del artista y Tanya Bonakdar Gallery

Kelly Akashi, una artista multidisciplinaria nacida y radicada en Los Ángeles, es mejor conocida por sus esculturas figurativas creadas con imaginación en bronce y vidrio. Exhibiendo internacionalmente incluso antes de completar su MFA en la Universidad del Sur de California, Los Ángeles en 2014, Akashi crea piezas íntimas que transmiten una sensibilidad poética, un verdadero amor por los materiales y la voluntad de correr riesgos en un abrazo continuo de experimentación.

Al regresar a la ciudad para su segunda exposición individual en una galería de Nueva York desde su innovadora exhibición en el Centro de Escultura en 2017, Akashi ha construido maravillosamente dos tipos de presentaciones en los dos pisos de Tanya Bonakdar. Con atractivos cuadros de partes del cuerpo de bronce y formas de vidrio orgánico con objetos encontrados y naturales sobre pedestales de tierra apisonada en una galería dramáticamente iluminada en el nivel del suelo y un magnífico busto de cristal y bronce de un desnudo femenino y un orbe de vidrio del que brotan delicadas flores en un base giratoria de hormigón en las dos salas de arriba, su exposición, apropiadamente titulada "Cuerpo infinito", es puro encanto. Hasta el 10 de junio

Uman, pon tu pie en ello, (2022-2023). Foto: Lance Brewer; Cortesía del artista y Nicola Vassell Gallery

Una artista autodidacta que nació en Somalia y pasó su juventud en Kenia antes de mudarse a Dinamarca y luego a Nueva York, Uman hace abstracciones expresivas en una variedad de medios que abarcan la naturaleza, la figura y el cosmos. Al crear pinturas, dibujos, collages, esculturas y alfombras, el artista de género fluido trabaja intuitivamente para construir imágenes que son chamánicas, coloridas y gestuales. Uman, que actualmente vive y trabaja en el norte del estado de Nueva York, desarrolló inicialmente sus actividades artísticas en clases de arteterapia en el Hospital Bellevue de Nueva York, pero desde entonces ha transformado su creatividad en una práctica en toda regla en un estudio de 8000 pies cuadrados con asistentes de tiempo completo.

Presentando 17 pinturas a gran escala y 20 obras en papel sobre paredes moradas, verdes, rojas y blancas, la primera exposición individual del artista con la galería, "I Want Everything Now", atrae al espectador al espacio con sus coloridas marcas. , patrones animados y garabatos caligráficos. "No sigo muchas reglas. Y creo que eso me ayuda, porque mi mente no está restringida. Soy impulsivo. A veces comienzo con una figura y se transforma en otra cosa, en una composición abstracta. Simplemente me guío por mis instintos. Si tengo ganas de agregar una cara, un ojo o unas manos, lo hago", dijo Uman recientemente. Las obras de medios mixtos expuestas transmiten alegremente ese enfoque de una manera verdaderamente liberada, que es la forma en que la artista quiere vivir su vida. Hasta el 17 de junio

Richard Avedon, Tina Turner, intérprete, vestido de Azzaro, Nueva York, 13 de junio de 1971, (1971). Foto: © Fundación Richard Avedon; Cortesía de Gagosian

Richard Avedon, uno de los fotógrafos más célebres de Estados Unidos, se hizo un nombre fotografiando artículos de moda e historias de portada para Harper's Bazaar, Vogue y Elle antes de centrar su atención en las bellas artes; su trabajo editorial anterior finalmente se consideró fotografía de bellas artes altamente coleccionable. también. Nacido en Nueva York de padres inmigrantes judíos de Rusia, Avedon estudió fotografía con el famoso director de arte Alexey Brodovitch, quien le dio su primer trabajo en Harper's Bazaar, en la New School for Social Research. Trabajando en una época en la que la fotografía era clave para promocionar la moda y los productos de belleza, rápidamente ascendió a la cima de su profesión.

Con motivo del centenario del nacimiento de Avedon, la asombrosa exposición "Avedon 100" destaca 150 fotografías seleccionadas por destacados artistas, diseñadores, músicos, escritores, curadores y representantes del mundo de la moda. El autor de Warhol, Blake Gopnik, eligió una foto de 1969 de Andy Warhol que revela la cicatriz quirúrgica de un disparo un año antes; El coleccionista de arte y empresario multimillonario François Pinault seleccionó una imagen icónica de Marilyn Monroe de 1957, y la editora de moda Tonne Goodman eligió proféticamente una foto de 1971 de Tina Turner girando con un vestido revelador. Ya visto por casi 15,000 visitantes desde su apertura a principios de mayo, este sensacional espectáculo lo lleva a un maravilloso paseo pictórico a través de tiempos alegres y turbulentos. Hasta el 7 de julio

Danielle Orchard, Nuestras simpatías (después de Wyeth), (2023). Foto: Guillaume Ziccarelli; Cortesía del artista y Perrotin.

Una pintora talentosa de Indiana, Danielle Orchard estudió en su estado natal antes de dar el salto a Nueva York, donde obtuvo una maestría en Bellas Artes de Hunter College en 2013. Mostrando sus obras figurativas finamente diseñadas con una serie de destacadas galerías de Nueva York, incluidas Journal, Jack Hanley y Half—antes de llegar a la poderosa Perrotin, donde ha realizado exposiciones individuales en Seúl, París y ahora Nueva York, la artista de Brooklyn se ha convertido en una estrella en ascenso. Al hacer pinturas inspiradas en maestros modernistas como Picasso y Matisse, crea hábilmente imágenes atemporales con la figura femenina como su musa.

Exhibiendo una docena de pinturas recientes a gran escala en la exposición "Eres una serpiente que regresará al océano", Orchard presenta desnudos femeninos y bañistas descansando y jugando, así como también modelos de mujeres desnudas que posan casualmente en el estudio. Su pintura Le Cauchemar (La pesadilla) evoca el impactante retrato de Picasso de su amante Marie-Thérèse Walter en su lienzo de 1932 Le Rêve (El sueño), mientras que sus pinturas de damas desnudas descansando, Pêches Plates y A Fallow Field, recuerdan las muchas representaciones de Matisse de una odalisca reclinada. Sin embargo, su representación de una mujer embarazada acostada en una cama bajo un mosquitero, Our Sympathies (After Wyeth), que hace referencia al retrato de Helga de Andrew Wyeth de 1980, titulado Day Dream, toca una nota más personal, con la artista pintándola con tristeza pero con valentía. después de su propio aborto espontáneo. Hasta el 10 de junio

Zoe McGuire, Ondulación adentro, (2023). Foto: Cortesía del artista y Library Street Collective

Basándose en las historias de la abstracción, el adorno y la espiritualidad, Zoe McGuire crea pinturas místicas que ofrecen una visión surrealista del mundo, como si se viera a través de lentes sobrenaturales de color rosa. Recientemente graduada de la Maestría en Bellas Artes de la Academia de Arte Cranbrook en Detroit, McGuire ya estaba atrayendo la atención de las galerías por su estilo trascendental de pintura cuando aún estaba en la escuela. Finalista de la codiciada New American Paintings Emerging Artist Grant, apareció en su publicación de 2022.

Para su exposición individual "Earthshine" en Library Street Collective (su primera exposición individual en Detroit), la artista con sede en Brooklyn presenta nueve nuevas pinturas de paisajes, que varían en tamaño desde poco más de un pie de alto y ancho hasta siete enormes -pies por catorce pies de lona. Inspiradas en la investigación de McGuire sobre los sistemas solares antiguos y su papel en informar las realidades internas de los humanos, las pinturas representan imágenes de ensueño en colores vibrantes y formas fluidas ornamentadas. Al igual que Hilma af Klint y Agnes Pelton, rinde homenaje al poder de la naturaleza, pero a su manera majestuosa. Hasta el 24 de junio

Betty Woodman, Jarrón interior con flores, (2007). Foto: Phoebe d'Heurle; © Woodman Family Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Cortesía de la galería David Kordansky

Betty Woodman, una de las principales artistas que trabajan con cerámica, así como una escultora y pintora que ayudó a elevar el medio de ser considerado principalmente artesanal a una aceptación más amplia en el mundo de las bellas artes, nació en Connecticut en 1930, se crió en Massachusetts y se educó. en la Escuela de Artesanos Estadounidenses de la Universidad Alfred en el norte del estado de Nueva York. Después de recibir una beca Fulbright-Hays para realizar investigaciones en Florencia, Italia, regresó a los Estados Unidos y comenzó a exhibir en exposiciones de artesanía hasta mediados de la década de 1980, cuando comenzó a mostrarse como artista transversal en galerías de arte contemporáneo. Desde entonces, Woodman, quien falleció en 2018, ha exhibido su trabajo en las principales galerías y museos de todo el mundo.

Exhibiendo con Kordansky desde 2015, "Diptychs" es su cuarta exposición individual con la galería. Con diez vasijas de cerámica de dos partes hechas entre 1990 y 2013, las obras inventivas a la vista hacen referencia a la pintura, la escultura y la arquitectura. Dentro de ese ámbito, Woodman explora ideas y motivos relacionados con la figuración, el feminismo, el patrón y la decoración, junto con la abstracción y la historia del arte. Usando su cerámica vidriada magistralmente hecha como soporte para la pintura, la artista construyó formas escultóricas audaces con imágenes vivas para crear obras de arte híbridas convincentes, que trascienden en gran medida su uso utilitario. Hasta el 16 de junio

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